就当代收藏的问题而言，Glenn馆长、策展人和我之间总是进行颇有意义的争论。为什么素描、油画与雕塑的展览是分开的？有没有可能进一步打破这些门类之间的界限？我们这样做的得失分别是什么？对于历史的呈现而言，我们如何才能确定自己知道什么，不知道什么？我们如何来改造赋予我们这些知识的历史？在这个时候，艺术家再次向我们伸出了援助之手，而他们却并没有按照所采用的艺术形式将自己分门别类。例如，我和Christophe Cherix目前正在策划一个当代艺术收藏的展览，我们决定请小野洋子协助我们让观众慢慢品味这次展览，于是我们在展厅、花园和庭院内设置了一系列互动行为，因为实际上观众和我们的行为以及期待都在发生变化。

博物馆如何调动观众？这就存在一个权力的问题，你当然可以对人们说：“过来看看我们的展览”，那样很多以前没来过博物馆的人就会说：“和我有关吗？我在这个展览中是什么位置？”但是如果你问他们，是什么塑造着他们的生活，然后从这个角度思考你应该如何发展或者解释你的项目，这样你就更容易调动他们的积极性和参与的欲望（比如，你和一些美籍非洲人谈论Kara Walker的作品，并且强调你不是这个展厅里唯一的专家）。如果你听到一个少年在看了Kara Walker的作品之后说：“我妈是清洁工，所以我不能带她来，因为她看了会伤心的。”你听了这话会有什么感触？我们十年前就不再问这种问题了，这已经不再是我们的运作方式了。

我对博物馆，以及它们所代表的自由还是充满信心的，因为博物馆是一片沃土。博物馆通过艺术和行为的方式为我们提供了知识的许多维度，为个人的与社会的研究、思考提供了丰富的资源。探求意义是艺术的内在本质之一，伟大的物品不不能总是给出一个圆满的答案。这也是我们人类所面对的困惑。我认为，问题在于我们如何能够将这种探究鲜活地展示在观众面前？我们如何才能让观众在观看梵高的作品的同时感受到一个正在崩溃的世界？如何向观众彰显出梵高在追求永恒的时候所经历的辛酸与迫切，并告诉他们梵高的画绝非是一张漂亮的明信片？

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