近日，艺术家高惠君绘画展在泰达当代艺术博物馆天津馆开幕。一直以来，高惠君运用西方材料描绘中国山水画的表现方式，得到了很多收藏家的喜爱和追捧，但是艺术评论界对这种“四不像”的绘画也提出过一些质疑。对此，高惠君坦言，笔墨即是一切，但是笔墨材料也限制了艺术家思维的边界，材料只是物质基础，艺术家的思想才是最重要的。

悲剧源自止步不前

我画中的鸟都没有尾羽，换句话说，就是“病态”。在自然界里，鸟失掉尾羽便会失去方向感，比如它本来想飞到俄罗斯，结果却“漂”到了美国。我之所以感觉这是件好玩的事情，就是觉得失去方向感所造成的错误也许未必是坏事。不过，有件事情肯定是糟糕的，如果没有尾羽注定飞不远。而且，鸟在丧失飞行能力后不得不尴尬地借助外力移动身体，仿佛自己还能飞，这必将成为痛苦彷徨的核心：失掉前进能力，才是真正的悲剧。我认为，以鸟为创作元素的系列作品具有象征性，如同古人绘荷之寓洁、画梅之寓清高、写竹之寓虚心等等。

画面留白不能代表一切

我曾经提出：“没有道家思想基础的人，比较难理解中国的山水画。”因为中国山水画和西方绘画中的风景不同，中国山水画呈现出高于自然景色的意境，属于心中的自然，在描绘之前，已经被绘画者的修养和心境过滤了，因此最后的作品面貌和每位画家的心性相接相融。例如，倪云林的心境袁江、袁耀就不能体会，但这并不代表袁江、袁耀的作品不优秀。

然而，在现阶段的当代艺术界中，只要是触及到古典山水画的作品，我所看到的，无非只有两种状况：一为肢解，二为挪用。肢解、解构或挪用山水画，无论是将古典画面中加入各种不相融的物质、图像以求瞩目，或者用油彩、西方绘画技法将传统山水画仿制改造后，呈现出的个人化新作品，都属于艺术创作，有些作品还是很好的艺术创作，但它们和山水画的传承其实并无关系。

在我的山水画中，从笔法到意境，大致属于传统范畴，但是对单纯的复古不感兴趣，我追求的是在古意中呈现的新面貌，具体说就是营造山水画里整体的空气感。前辈画家在画面上留白就代表云、雾、光和一切？我认为在理论上画面留白代表一切或许能够讲通，但从心性和意境的表达上，委实欠缺。

材料不应成为思维的桎梏

每个时代都各有所限。此前，我尝试将丙烯色用水调开绘制山水画作品，因为该材料源自西方，即使用传统的笔法来勾、染、皴、擦完成作品，还是有多人不理解。我认为，丙烯色材料的表达能力只是物质基础，在此基础上的追求不偏离正确的轨道就好。比如，《茉莉花》这首甜美的中国曲子响遍世界各地，我最喜欢钢琴或小提琴演奏的版本，而不是本土的高胡等演奏版本。旋律是音乐的根本，所有的耳朵都知道这旋律永远是中国的。《茉莉花》还是《茉莉花》，它也不会因为演奏乐器的不同而成为《马赛曲》。

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