然后，我们的乐器基础教学需要创造性。也就是说，需要让孩子独立思考与寻找弹奏方法。首先需要对孩子们提出音乐上的要求，比如活泼的，悲伤的，甜美的，愤怒的，然后让他们自行找办法弹出各种效果。这样，他们会根据自己的喜好，自己的手的条件，能动地去寻找最适合最简便的弹奏法。因为每个人的演奏机能不同，我们需要在消化基础技法之后思考自我的方式，才可能获得个性化的演奏。就像每个杰出的摇滚歌手，他们能够忘情嘶吼又不至于损伤声带，其实都探索出了一套属于自己的发声方法。据说像肖邦、李斯特这样的天才钢琴家是不需要什么车尔尼练习曲的，他们在学习乐器的最初就开始不断摸索自我的弹奏方式与表达途径，以卓越的听觉控制双手，控制琴键，也是因此，他们独创的一些演奏技法，直到现在仍然令职业钢琴家从中受益。

越是创造性的思维就越是活泼开阔，音乐教学也需要摒弃偏执，尽量多角度多元化，以单一的考级标准或比赛名次去判断一个孩子有没有音乐天赋、有没有音乐前途无疑是非常草率的。还有，从音乐教育角度考量音乐考级，它的标准不够严格规范，形式也过于单一化模式化，它主要是在考察一项技能，考生也会相应地只关注技能。这样的考级并不能提高整体的音乐修养。若想达到欧洲（特别是德国）那样的音乐修养与普及化程度，也许我们需要在中小学的课本中加入充分的音乐鉴赏的内容，需要举办更多风格迥异的音乐节，而不是考级。况且考级也不可能考出音乐天才来，天才不可测量，因为天才本来就是超越标准的存在。但就目前实际情况来看，全社会范围的乐器考级让大量的儿童接触到音乐，它无疑是一种开发整体音乐潜能的优良的“社会构成方式”，我们需要逐渐去完善它，将它导向音乐修养的全面提升。

此外，由音乐考级也引出了经典的乐器教学——一对一模式是否适合音乐基础教育的疑问。本来，一对一的教学模式，是针对每个学生的不同个性与学习进度而设置。但对于全社会范围的音乐教育，这样的模式似乎在窒息与割断孩子们的音乐潜能。基础音乐教育的重点不在于教，而是在于发掘潜能，音乐感本就潜伏于人的体内，需要以模仿、引导等方式，令它发挥、碰撞或绽放出来。学习音乐本身就是一种接近无意识的本能，是一种逻辑之外的感受力。如果强调灌输，不但会抑制音乐潜力的发挥，还将会对音乐的功能意义产生误解。音乐，是聆听，也是交流，是表达自我，也是展示自我，它更需要一种参与的精神。如果采用上大课的模式、让孩子们在学习中交流、模仿、协作与竞争，也许更有效。在独生子女的时代，这种方式也许尤为必要。家长们总是很谦逊地说，我们不指望孩子成为音乐家，主要是来熏陶一下。其实学习音乐何止是熏陶一下，音乐中有一种来自直觉的精神力量，一种无需语言翻译的人类共通的情感，也包含了与自然、与环境和谐相处的秘密。孩子们在此过程中懂得了团结的力量、交流的收获、突破的意志和情同手足的关爱与责任，也许他们早已自己通晓了踏入社会的途径。

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